Die Wiederbelebung von Banshu-ori: tamaki niimes moderne Interpretation der Tradition in Hyogo

In den Hügeln der Stadt Nishiwaki in der Präfektur Hyogo erwacht eine traditionelle Industrie auf alten Webstühlen zu neuem Leben. Diese traditionelle Webtechnik, bekannt als Banshu-ori, ist seit über 200 Jahren ein Markenzeichen der Region und produziert Textilien, die für ihre feinen Streifen und ihre weiche Textur geschätzt werden. Bei tamaki niime hat Designerin Tamaki Niime dieses Erbe aufgegriffen und in etwas Außergewöhnliches verwandelt.

Der erste Schritt in den Labor-Shop-Hybrid fühlt sich an, als würde man eine lebendige Galerie aus Farben und Mustern betreten. Regale voller Kreationen von tamaki niime, darunter Schals und Kleidung, zeigen nicht nur Handwerkskunst, sondern auch Innovation. tamaki niimes Team spinnt seine eigenen Fäden und verleiht jedem Schritt des Prozesses eine charakteristische Vision. Das Ergebnis sind Textilien, die sowohl in der Tradition verwurzelt als auch von einem Gefühl von Individualität und Experimentierfreude durchdrungen sind.

Eine Verbindung zu den Ursprüngen

Das Besondere an tamaki niime ist der Herstellungsprozess. Besucher können die Werkstatt besichtigen und sehen, wie diese Textilien hergestellt werden. Sehen Sie, wie die Magie entsteht, wenn alle Schritte des Produktionsprozesses im eigenen Haus durchgeführt werden. Die Leidenschaft und Kreativität, das Färben, das Nähen – es ist sogar inspirierend, diesen Handwerkern dabei zuzusehen, wie sie alte Webstühle bedienen, die einst die Branche dominierten. Das rhythmische Klicken der Maschinen ist hypnotisch und erinnert daran, wie etwas so Einfaches wie Stoff Generationen von Herstellern verbinden kann.

Sogar Details wie die Beschaffung eines Teils der Baumwolle von den eigenen Feldern oder das Zusammenleben mit Tieren, die die Quelle der Wolle und anderer Fasern sind, wie Ziegen, Schafe oder Alpakas. Die Nachhaltigkeit ihres Ansatzes hat damit zu tun, dass sie ihren Ursprüngen treu bleiben und Kreationen herstellen, welche die Umwelt respektieren.

Die Philosophie von Tamaki Niime ist so lebendig wie ihre Stoffe: Tradition ist nichts, was man in Bernstein konservieren kann; sie ist eine Grundlage für die Kreation. Durch die Einführung asymmetrischer Designs und kräftiger Farbkombinationen lädt die Marke neue Zielgruppen ein, die Schönheit von Banshu-ori zu entdecken. Sie zeigt, wie alte Techniken Faden für Faden neue Relevanz finden können.

NUNOUS: Textilien in Okayama neues Leben einhauchen

In Okayama, wo die Traditionen der japanischen Textilindustrie seit langem florieren, ist NUNOUS zu einem innovativen Leuchtturm der Nachhaltigkeit und Kunstfertigkeit geworden. Entwickelt von Seishoku Co., Ltd., einem Unternehmen mit über 140 Jahren Erfahrung im Textilfärben, verwandelt NUNOUS das, was andere wegwerfen würden – Stoffabfälle – in etwas völlig Neues: haltbare, marmorartige Materialien mit endlosen Anwendungsmöglichkeiten. Akira Himei, CEO von Seishoku, hat seine Besorgnis über die Umweltbelastung durch Textilabfälle und die Schwierigkeiten, die mit dem Recycling von Stoffen einhergehen, als einige der Motivationen hinter dieser innovativen Entwicklung zum Ausdruck gebracht.

Die Magie von NUNOUS liegt in seinem komplexen Herstellungsprozess. Ungefähr 500 Lagen bunter Textilreste werden mit einem einzigartigen, selbst entwickelten Harz komprimiert, wodurch eine haltbare, marmorähnliche Platte entsteht, welche die Lebendigkeit der Originalstoffe bewahrt. Das Ergebnis sind zwei Hauptprodukte: NUNOUS Stone, ein dickeres Material für Möbel und architektonische Installationen, und NUNOUS Skin, eine leichtere, flexible Option, die sich ideal für Accessoires oder Oberflächenveredelungen für Innenräume und Ausstellungen eignet. Jedes Stück ist einzigartig und seine Muster spiegeln die Vielfalt der verwendeten Textilien wider.

Textilabfälle als Anfang und nicht als Ende

Die Modebranche hat sich schwindelerregend entwickelt, manchmal in fragwürdige Richtungen, was Umweltschäden und Millionen Tonnen Textilmüll pro Jahr mit sich bringt – und die damit verbundene Umweltverschmutzung. Ein Gang durch die Seishoku-Anlage bringt jedoch viel Optimismus in die Gleichung. Es ist ein Raum voller Innovation, in dem Stoffe, die einst für den Abfall bestimmt waren, nun in den Innenräumen von Luxushotels, Firmenbüros und sogar Kunstinstallationen zu finden sind. Es folgte internationale Anerkennung, NUNOUS wurde in Paris oder London präsentiert und von Designern auf der ganzen Welt angenommen.

Aber was NUNOUS wirklich bemerkenswert macht, ist nicht nur seine technische Brillanz – es ist die Philosophie dahinter. Upcycling ist der Kern dieses Prozesses. Sogar die Schnittkanten aus der NUNOUS-Produktion werden für Dekorationsartikel wie traditionelle Puppen oder Äpfel wiederverwendet, was das Engagement zur Abfallreduzierung in jeder Phase zeigt. Ein revolutionäres Material, welches die Schönheit von Textilien würdigt und nach neuen Horizonten der Kreation sucht. NUNOUS repräsentiert den neuesten Stand umweltbewusster Handwerkskunst und zeigt, wie sich Setouchis textiles Erbe weiterentwickeln kann, um modernen Anforderungen gerecht zu werden und gleichzeitig ökologische Herausforderungen anzugehen.

HAGI-GLASS: Wiederbelebung eines Handwerks aus der Edo-Zeit in Yamaguchi

In der ruhigen Küstenstadt Hagi in der Präfektur Yamaguchi wurde einer fast ausgestorbenen Glasmachertradition neues Leben eingehaucht. Das HAGI-GLASS Art Studio, dessen Wurzeln bis zum Ende der Edo-Zeit (1603-1868) zurückreichen, bietet Besuchern nicht nur die Möglichkeit, dieses einzigartige Handwerk zu bewundern, sondern es auch aus erster Hand zu erleben.

Hagi-Glas wurde ursprünglich vom Wissenschaftler Jihei Nakajima als Form des künstlerischen Ausdrucks entwickelt, wobei lokale Materialien mit aus dem Ausland importierten Techniken verwendet wurden. Eine Zeit lang florierte es dank seiner Spitzenqualität und war sogar würdig, Stücke an den Kaiser zu schicken. Doch wie viele traditionelle Handwerkskünste war es vom Niedergang bedroht und beinahe verschwunden. Dank der Arbeit leidenschaftlicher Handwerker wie Kotaro Fujita, der diese vergessenen Techniken studierte und wiederbelebte, alte Dokumente studierte und mit modernen Techniken experimentierte, hat Hagi-Glas eine zweite Chance erhalten. Fujita bezieht nicht nur die ursprünglichen Rohstoffe, sondern veredelt das Handwerk auch mit einzigartigen Produktionstechniken, die Hagi-Glas auszeichnen.

Anders als viele inländische Wettbewerber, die auf vorgefertigte kommerzielle Glasmaterialien aus Hokkaido oder Kyushu zurückgreifen, beginnt der Prozess von Hagi-Glas mit lokal produzierten Rohstoffen. Die Produktion im Studio umfasst das Brennen von Glas bei einer ultrahohen Temperatur von 1520 Grad Celsius, wodurch Produkte mit außergewöhnlicher Festigkeit und Hitzebeständigkeit entstehen. Dieser Ansatz hat in der Branche großen Respekt hervorgerufen und sogar Wettbewerber besuchen die Werkstatt, um von den dort verwendeten Methoden zu lernen. HAGI-GLASS ist nach wie vor das einzige Studio in Japan, das mit diesen speziellen Materialien und Techniken arbeiten kann.

Durch diese engagierten Bemühungen kann Hagi-Glas in genau der Region, in der es einst seinen Ursprung hatte, wieder aufblühen.

Ein mit Ihren Händen gefertigtes Andenken

Im HAGI-GLASS Art Studio können Besucher sich in der Herstellung von Glasaccessoires versuchen. Unter Anleitung erfahrener Kunsthandwerker schmelzen die Teilnehmer mit Gasbrennern bunte Glasstäbe und formen sie zu filigranen Schmuckanhängern oder Schlüsselanhängern. Der etwa 45 Minuten dauernde Prozess ist sowohl zugänglich als auch lohnend und hinterlässt ein persönliches Andenken, das den Geist von Hagi verkörpert.

Bevor der Workshop beginnt, gibt der Studiobesitzer Einblicke in die Kunstfertigkeit des Hagi-Glases. Die Art und Weise, wie unterschiedliche Farben erzielt werden, die Präzision, die zum Formen des geschmolzenen Glases erforderlich ist, und die subtilen Variationen, die jedes Stück einzigartig machen – all diese Details verleihen dem Erlebnis Tiefe. Wenn man den Kunsthandwerkern bei der Arbeit zusieht, wird deutlich, wie viel Geschick und Konzentration erforderlich ist, um das Handwerk zu meistern, und man gewinnt eine neue Wertschätzung für diese scheinbar einfachen Objekte.

Für diejenigen, die nicht so geneigt sind, selbst Hand anzulegen, stellt das Studio auch eine Reihe fertiger Arbeiten aus, von eleganten Accessoires bis hin zu dekorativen Wohngegenständen. Jedes davon ist eine moderne Neuinterpretation eines jahrhundertealten Handwerks und eine Erinnerung daran, wie Tradition und Innovation wunderbar koexistieren können.

EARTH Hiroshima: Origami-Kraniche in Symbole des Friedens verwandeln

In Hiroshima treffen jedes Jahr Millionen Origami-Kraniche (Orizuru) aus ganz Japan und der ganzen Welt ein, die als Symbol für Frieden, Hoffnung und Erinnerung geschickt werden. Diese Tradition wurde inspiriert von der Geschichte von Sadako Sasaki, einem jungen Mädchen, das während des Kampfes gegen die durch den Atombombenabwurf verursachte Leukämie Kraniche faltete. Das Projekt Re:ORIZURU gibt diesen Papiergeschenken im Rahmen der größeren Initiative EARTH Hiroshima ein zweites Leben und verwandelt recycelte Origami-Kraniche in schöne, funktionale Waren, welche das Engagement der Stadt für Frieden und Nachhaltigkeit verkörpern.

Der Ansatz des Projekts besteht darin, die Kraniche sorgfältig zu sammeln und auseinanderzunehmen. Anschließend werden sie nach Farben sortiert und zu „Origami-Kranich-Recyclingpapier“ zerkleinert. Dieses Papier dient als Grundlage für eine breite Produktpalette, wie elegante Schreibwaren und Notizbücher, Aromadiffusoren oder Jahreskalender. Jeder Artikel ist mit einem bestimmten Zweck verbunden: Er fördert Hiroshimas Erbe als Stadt des Friedens und bietet gleichzeitig sinnvolle Arbeitsplätze für Menschen mit Behinderungen und andere in lokalen Hilfsprogrammen.

Kreativität mit bedeutungsvoller Symbolik

Was diese Produkte wirklich einzigartig macht, ist ihre Herkunft. Hinter jedem recycelten Kranich verbirgt sich eine Geschichte von Verbundenheit, Widerstandskraft und Hoffnung, die die Menschen aus aller Welt teilen. EARTH Hiroshima arbeitet auch mit Designern und Handwerkern zusammen, um sicherzustellen, dass die Endprodukte die symbolische Kraft der Kraniche behalten und gleichzeitig einen praktischen Wert für den Alltag bieten.

Durch den Kauf dieser Artikel können Besucher ein Souvenir mit nach Hause nehmen, das ebenfalls eine tiefe Bedeutung hat. Sie tragen eine Botschaft des Friedens und der Erneuerung mit sich und unterstützen das Engagement der Stadt für ethisches Handwerk und globale Harmonie. Auf diese Weise wird das Projekt Re:ORIZURU zu einem Beispiel dafür, wie selbst die kleinsten Gesten dauerhafte Veränderungen bewirken können.

Aiyakazou: Das Bewahren der Kunst des Indigofärbens in Tokushima

Im malerischen Dorf Aizumi in der Präfektur Tokushima öffnet Aiyakazou ein Fenster zur Geschichte und zum filigranen Handwerk des Awa-Indigofärbens. Tokushima, einer der größten Indigoproduzenten Japans, hat eine lange Tradition des Awa Aizome, das bis in die Edo-Zeit zurückreicht. Dieses Erbe wurde maßgeblich von der Familie Okumura geprägt, welche sich im 17. Jahrhundert als erfolgreiche Indigohändler etablierte. Mit Wurzeln, die bis in die Edo-Zeit zurückgehen, ist Aiyakazou teils Werkstatt, teils Galerie und teils lebendiges Museum und damit ein Muss für alle, die sich für Japans Färbetraditionen interessieren.

Das Handwerk des Indigofärbens oder Aizome beginnt mit der Fermentierung von Indigoblättern zu einem tiefen, satten Farbstoff. Dieser Prozess, der dem Brauen von Sake oder der Fermentierung von Miso ähnelt, erfordert akribische Sorgfalt und Geduld. Bei Aiyakazou werden die Färbebottiche wie Lebewesen behandelt und täglich gepflegt, um die perfekten Bedingungen aufrechtzuerhalten: Ihr Zustand wird täglich überwacht, da sie sehr empfindlich auf Veränderungen in der Luft reagieren. Besucher können diese Bottiche aus der Nähe betrachten und so ein neues Verständnis für die komplexe Chemie hinter den atemberaubenden Blautönen gewinnen. Beim Färben eines Stoffes ändert sich außerdem die Anzahl der Tauchgänge je nach gewünschtem Ergebnis. Zuerst sieht es braun aus und die Farbe ändert sich nach Kontakt mit Sauerstoff zu blaugrün.

Schönheit in Blau

Bei einem Besuch in Aiyakazou geht es sowohl ums Lernen als auch ums Wertschätzen. Workshops, die von erfahrenen Kunsthandwerkern geleitet werden, bieten praktische Möglichkeiten, eigene indigogefärbte Stücke aus verschiedenen Stoffen herzustellen. Außerdem werden Techniken wie Shibori (Batik, Farbschattierungen werden durch Knoten im Stoff erzeugt) und Katazome (Wachsabdeckungsfärbung, um die Formen der zu färbenden Bereiche zu steuern) vorgeführt. Dabei wird gezeigt, wie sich einfache Muster mithilfe des Indigos in komplizierte Designs verwandeln lassen. Das Endergebnis ist ein Stück, das die Schönheit der traditionellen Färbung mit einem Hauch der Persönlichkeit des Herstellers in sich trägt.

Der Galerieraum steigert das Erlebnis noch weiter und zeigt eine breite Palette an Kreationen, wie Stoffe und Kleidungsstücke oder unerwartete Gegenstände wie Puppen und Kunstwerke, die alle mit verschiedenen Aizome-Techniken gefärbt wurden. Die Kollektion spiegelt sowohl die zeitlose Anziehungskraft von Indigo als auch den Innovationsgeist zeitgenössischer Kunsthandwerker wider.
Neben den Textilien bietet Aiyakazou auch Produkte aus Indigopflanzen an, wie dekorative getrocknete Blätter und Tees, die die Vielseitigkeit der Pflanze demonstrieren.

MIMUS: Neudefinition der Mizuhiki-Kunst in Ehime

In Shikokuchuo City, Ehime Prefecture, MIMUS breathes new life into the traditional craft of mizuhiki, a decorative art made from tightly wound paper pulp threads. Known for its symbolic ties to life’s milestones — weddings, births, and even memorials — mizuhiki has long been a fixture of Japanese celebrations. At MIMUS, however, contemporary design transforms this age-old craft into something more versatile.

MIMUS wurde von der Designerin Aya Tsukioka gegründet und arbeitet mit erfahrenen Kunsthandwerkern zusammen, um Mizuhiki für das heutige Publikum neu zu erfinden. Das Handwerk, das traditionell aufwendige Knoten und Muster für zeremonielle Anlässe umfasste, wird heute für Wohndekoration, Freizeitgeschenke und künstlerische Stücke verwendet. Ob minimalistische Tischdekorationen, aufwendige Tafelaufsätze oder zarte Ohrringe – MIMUS zeigt, wie die Flexibilität von Mizuhiki zeitgenössischen Geschmack treffen kann, ohne seine kulturelle Bedeutung zu verlieren.

Die Kunsthandwerker bei MIMUS, von denen einige über jahrzehntelange Erfahrung verfügen, betonen die Fertigkeit und Geduld, die für dieses Handwerk erforderlich sind. Zu sehen, wie sie die feinen Stränge in elegante Formen bringen, ist ein Beweis für ihre Meisterhaftigkeit, insbesondere bei der Arbeit an groß angelegten Projekten. Eine solche Kreation – eine detailgetreue Nachbildung eines traditionellen Taikodai (eine Art Festwagen, der bei Shinto-Schreinfesten herumgetragen wird und als Begleiter oder Führer für den tragbaren Schrein dient oder den Göttern gewidmet ist. Bei den Festen der Stadt Shikokuchuo ist der Taikodai auch das wichtigste dekorative Element.) – dauerte über zwei Jahre bis zu seiner Fertigstellung, was zeigt, wie viel Hingabe erforderlich war.

Einfädeln mit Originalität

Während traditionelles Mizuhiki oft mit gedämpften Tönen und zurückhaltenden Mustern assoziiert wird, setzt MIMUS auf eine mutige neue Ästhetik. Kräftige Farben, metallische Oberflächen und experimentelle Formen verleihen dem Handwerk neue Energie. Dennoch bleibt die Marke dem Erbe des Mizuhiki verpflichtet, insbesondere seiner komplizierteren, zeremoniellen Anwendungen, deren Perfektion jahrelange Erfahrung erfordert.

MIMUS spielt auch eine wichtige Rolle bei der Erhaltung der Mizuhiki Takumi (Meisterhandwerker), deren Zahl aufgrund eines schrumpfenden Marktes zurückgeht. Indem die Marke innovative Anwendungen findet und neue Zielgruppen erreicht, sorgt sie dafür, dass diese jahrhundertealte Kunst weiterhin gedeiht und sowohl moderne Kreativität als auch Ehrfurcht vor der Tradition inspiriert.

Aji-Projekt: Erhabenes Steinhandwerk in Kagawa

In der Stadt Mure in der Präfektur Kagawa ist Aji-Stein, eine Granitart, die für ihre außergewöhnliche Dichte und Haltbarkeit geschätzt wird, seit Jahrhunderten ein Eckpfeiler der Handwerkskunst. Aji-Stein wird traditionell für Grabsteine ​​und Tempelverzierungen verwendet und ist für seine Wetterbeständigkeit und die aufwendigen Details bekannt, die er den Handwerkern ermöglicht. Durch die Bemühungen des Aji-Projektes wird dieses historische Handwerk für das zeitgenössische Leben neu erfunden.

Das Aji-Projekt, unter der Leitung des lokalen Kunsthandwerkers Chikara Ninomiya, möchte die Schönheit und Nützlichkeit des Aji-Steins in moderne Häuser bringen. In Zusammenarbeit mit Produktdesignern hat sich das Projekt von der Herstellung zeremonieller und monumentaler Stücke hin zur Herstellung kleinerer, funktionaler Gegenstände wie Tabletts, Buchstützen und Geschirr verlagert. Diese Produkte behalten die unverwechselbare feine Maserung und den subtilen Glanz des Aji-Steins bei und sind zugleich ansprechend für den heutigen Lebensstil.

Ein Besuch in der Werkstatt des Aji-Projektes offenbart, wie viel Können in der Bearbeitung dieses Granits steckt. Es bedarf jahrzehntelanger Ausbildung, um zu lernen, wie man Aji-Stein mit der erforderlichen Präzision und Sorgfalt bearbeitet. Wenn man den Handwerkern bei der Arbeit zusieht, wird klar, warum dieses Handwerk so selten ist, denn nur wenige Steine ​​auf der Welt vereinen Leichtigkeit und Stärke so wie Aji-Stein, was seine Bearbeitung sowohl technisch als auch künstlerisch zu einer Herausforderung macht.

Mehr als man auf den ersten Blick sieht

Das Aji-Projekt legt außerdem Wert auf Nachhaltigkeit, indem es Steinreste aus größeren Projekten zu kleineren Gegenständen verarbeitet. Dieser Ansatz reduziert nicht nur den Abfall, sondern eröffnet auch jüngeren Generationen die Möglichkeit, sich mit dem Handwerk zu beschäftigen. Durch seine Bemühungen belebt das Projekt das Interesse an Aji-Stein neu, trägt dazu bei, sein Erbe zu bewahren und gleichzeitig seine Reichweite im Alltag zu erweitern.

Es ist interessant, über das Erbe des Aji-Steins in anderen Aspekten als seiner Haltbarkeit nachzudenken. Nur wenige denken an die Generationen von Handwerkern, die ihr Fachwissen weitergegeben haben und es nun für eine neue Ära angepasst und neu erfunden haben. Mit Initiativen wie dem Aji-Projekt gewinnt dieses Handwerk neue Bedeutung und beweist, dass selbst die traditionellsten Materialien zeitlos sein können.

Die Region Setouchi floriert als Zentrum des Handwerks, wo Geschichte und Kreativität auf unerwartete Weise zusammenkommen. In den Städten und Ortschaften entwickeln Handwerker weiterhin innovative Techniken, die seit Generationen weitergegeben werden, und verleihen diesem wertvollen Erbe eine zukunftsweisende Perspektive. Das Außergewöhnliche an diesen Werkstätten ist die Art und Weise, wie sie ihr Handwerk in neue Richtungen lenken. Ein Besuch dort ist eine ausgezeichnete Gelegenheit, edle Materialien besser wertzuschätzen; und dabei kommen Sie mit den Menschen in Kontakt, die diese Materialien in etwas Bedeutendes verwandeln.

Setouchis Handwerk existiert nicht, um stillzustehen, aber es beeilt sich auch nicht, seine Wurzeln aufzugeben. Es sind lebendige Traditionen, die kontinuierlich von den Händen derer geformt werden, denen es wichtig genug ist, sie weiterzuführen. Für alle, die neugierig auf das Wesen dieser Region sind, sind diese Handwerkskünste ein Ausgangspunkt, den es nicht zu verpassen gilt.